日本动画大师宫崎骏在采访中说：“人类会对自己越来越不自信”

更新时间：2025-04-02 23:31  浏览量：3

2025年开年，一场关于AI生成吉卜力风格图像的争议席卷网络。

而吉卜力风格是宫崎骏一直在宣扬的独特的动漫画风，细腻的手绘风格、复杂的自然场景刻画（如孢子森林、巨虫生物）和充满人文关怀的叙事，奠定了吉卜力“自然主义美学”的基调。

早在2016年，宫崎骏在一次纪录片中直言不讳地批评AI创作，称其为“对生命的亵渎”和“对生命的侮辱”。
而网络互联网发展至今，AI生成越来普及，AI工具（如Midjourney、Stable Diffusion，豆包生图，chatgpt等等）可根据文字描述快速生成高质量图像，大幅缩短创作周期。

例如，输入“一辆白色大卡车侧翻在高速路中央”的指令，AI能生成逼真场景，辅助艺术家快速完成框架设计，在性能允许的情况下，几乎是秒级的。

在这种普通人都会轻而易举的使用AI生成高质量的图片的浪潮中，我们或许需要接受一个事实：艺术的定义正在被重新书写。

关于AI生成吉卜力风格图像的争议源自于ChatGPT免费开放的图像生成功能，让普通用户能一键复刻《千与千寻》的奇幻色彩或《龙猫》的治愈笔触，却遭到了无数喜欢吉卜力原画风格的人群的激烈批评——他们称这种技术是“人类的不自信”，对“艺术以及艺术家的不尊重”。

这一冲突，将AI与艺术创作的边界之争推向了舆论焦点。

在技术狂奔的时代，AI不仅在工业、医疗、教育领域掀起变革，更在艺术领域撕开一道裂缝：当算法能模仿宫崎骏的画风，当AI能写出媲美诗人的诗句，当数字工具能生成梵高式的星空——人类引以为傲的“艺术创造力”，是否正在被技术“降维打击”？这场争议背后，是技术理性与人文精神的激烈碰撞，更是人类对自身存在价值的深层焦虑。

宫崎骏对AI艺术的批判，绝非保守者的无端抵触。他曾在采访中直言：“真正的艺术创作需要人类的情感投入和手工制作，而AI技术无法替代这种创造过程”。

1. 艺术是“生命意志的具象化

从宫崎骏的艺术作品中我们就能体会到，真正的艺术创作是艺术家将生命体验、情感波动与哲学思考凝结于作品的过程。例如《幽灵公主》中对自然与工业化的矛盾描写，源自他对现实世界的深刻观察与痛苦反思。而AI生成的图像，不过是基于海量数据的概率组合，缺乏对“为什么创作”的内核追问。

2. 技术无法替代“人类的不完美

人性虽然不完美且复杂，但艺术的价值恰恰存在于“不完美”中：达芬奇手稿的修改痕迹、梵高笔触的狂躁、草间弥生的重复圆点，这些“缺陷”都是艺术家与世界对话的印记。大数据模型训练不停地训练AI，最后AI的“完美”反而抹杀了这种人性的复杂性。正如众多粉丝痛斥的那样：“AI画得像吉卜力，但永远不懂为什么小月要穿越异世界寻找妹妹。”

3. “艺术是“对抗虚无的武器”

在宫崎骏的动画系列中，吉卜力标志性画风的雏形可追溯至1984年由宫崎骏导演的动画电影《风之谷》，艺术是人类在荒诞世界中寻找意义的尝试，决不应该被AI模仿，从而降低人类对艺术的探索。

早在2016年，日本动漫大师宫崎骏对AI生成的作品产生了不满。

2023年纽约现代艺术展上，一幅由MidJourney生成的画作《机械缪斯》被抗议者泼漆，引发传统艺术圈的强烈抵制。

超2000名艺术家签署《反AI艺术宣言》，要求平台下架AI生成内容，艺术家们认为AI剽窃人类创意，是对人类艺术的侮辱。

瑞典艺术家Simon Stalenhag对其风格被AI模拟表示愤怒，他认为AI未经许可地使用艺术家的作品进行训练，是对创作者的不尊重。

......

当艺术沦为算法的“风格模拟”，人类或许正在失去用精神创造的信心。

与此同时，AI对艺术领域的渗透，远比想象中更复杂，普通人在这场变革中将获益更多

1. 技术解放：艺术民主化与创作效率的飞跃

- 降低门槛，全民皆可创作

AI工具如Midjourney、DALL·E等，让普通人能快速生成专业级图像，甚至复刻名画风格。正如知识库中《人民日报》所言，这“打破了专业门槛，催生多元的大众艺术生态”。一位网友感叹：“我用AI画出了自己童年幻想的森林，这在过去需要十年美术训练。”

- 效率革命，艺术生产模式颠覆

在影视、游戏行业，AI已能自动生成分镜、场景设计，甚至辅助编剧。某动画公司透露，AI将原画设计效率提升50%，让团队能专注于“更有创意的叙事”。

2. 人机协同：艺术家角色的转型

AI并非取代艺术家，而是成为“智能协作者”。艺术家从直接执行者转向指导者，负责设定创作方向、筛选AI生成内容，并注入情感与文化内涵38。例如，中央美术学院通过AI工具进行艺术实验，探索人机共创的新模式3。这种协作模式重新定义了艺术家的职能，强调“创意引导”与“技术驾驭”的结合。

3.应用场景：跨领域与个性化创作

跨媒介融合：AI可整合音乐、文字、图像等元素，生成跨媒体作品（如根据音乐生成视觉动画）。

个性化内容：AI支持长尾市场需求，例如自动生成个性化广告、定制化插画等46。

文化遗产保护：敦煌研究院利用AI修复残损壁画，并通过AR技术动态呈现飞天壁画，推动传统文化创新传播。

- 谁拥有AI生成作品的版权？

知识库提到，AI训练数据多来自既有作品，但版权归属模糊。某AI绘画平台因使用艺术家未授权作品遭起诉，却辩称“算法只是学习风格”。

- 人机共创”模糊了创作主体

当艺术家依赖AI生成草稿，观众是否还能认定这是“人类作品”？某画家坦言：“我用AI生成90%的构图，但最终修改的10%才是我的灵魂。”这种割裂感，正在动摇艺术创作的伦理根基。

站在技术与人文的十字路口，我们需要重新思考“艺术”的边界：

1. 人机协作：工具与灵魂的共生

AI或许能替代技法，但无法替代“为什么创作”的初心。

钟愫君自2014年起开始与AI机器人协作创作，她认为AI并非替代人类艺术家，而是通过“集体想象力”推动艺术边界的拓展。例如，她训练名为“D.O.U.G.”的机器人学习自己的绘画风格，并将机械臂作为创作协作者，共同完成画作。她曾表示：“技术不仅是工具，更像是伙伴，我的兴趣在于利用科技去发现人类感官之外的东西”（来自2020年WAIC论坛）。这种协作模式突破了传统艺术创作的个体性，形成人机共生的新范式。

2. 价值重构：艺术将向“不可替代性”进化

未来艺术可能分为两类：

- 实用艺术：由AI高效完成的商业设计、基础创作，服务于大众审美需求。

- 哲学艺术：艺术家通过作品探讨存在、伦理、人性等终极命题，如宫崎骏笔下的生态寓言，这类创作因触及人类精神内核而不可替代。

3. 教育与反思：培养“AI时代的人文基因”

比尔·盖茨在2023年指出：“AI不仅能提高生产力，更要消除不平等”，并预测AI驱动的医疗建议和教育辅导将在十年内普及且廉价，显著降低专业服务门槛。

艺术教育或许需要更强调“创作动机”而非“技巧”，让新一代理解艺术是“人性的显影”。

回到吉卜力风格带来的争议风波，这场争论本质是价值观的碰撞：

- 技术派认为，AI解放了生产力，让更多人参与艺术，是民主化的进步。

- 人文派则担忧，当艺术沦为数据游戏，人类将失去精神价值以及最后失去对抗AI的武器。

或许，答案藏在历史的褶皱中：摄影术诞生时，有人预言绘画消亡，但印象派却因此诞生；电影出现后，戏剧并未消失，反而催生了更具表现力的舞台艺术。

最后，抛出问题让大家一起讨论：

1. 当AI能完美模仿任何艺术风格，人类是否需要重新定义“原创”？

2. 如果AI能生成媲美《星空》的画作，但缺乏梵高的精神困境，这幅画是否还有价值？

3. 你愿意为一幅完全由AI生成的“名画”支付高价，还是只认可人类的艺术创作？

我的观点是，只要人类还在追问“我是谁”“我为何存在”，艺术就永远有其不可替代的灵魂。