首届西湖雕塑与公共艺术邀请展主题论坛“独乐众乐大讲堂”精彩回顾
更新时间：2025-12-05 17:45 浏览量：2
潮新闻客户端 美术报
2025年11月16日，首届西湖雕塑与公共艺术邀请展主题论坛：独乐众乐大讲堂在全山石艺术中心召开。本次主题论坛旨在深入探讨雕塑与公共艺术在当代社会中的价值转化与边界拓展。论坛汲取中国传统文化中“独乐”与“众乐”的智慧，构筑重要的学术交流平台，探讨艺术创作从个体精神探索“独乐”走向社会共享“众乐”的完整路径。论坛由中国美术学院教师发展中心和中国美术学院雕塑与公共艺术学院联合主办。
论坛下设两个分议题。其一，“巴别图书馆——当代雕塑与公共艺术的路径转化”以博尔赫斯的“巴别图书馆”为核心隐喻，探讨雕塑与公共艺术在城乡语境中如何激发无限叙事与集体共鸣，实现从“独乐”到“众乐”的转化；其二，“数智时代的艺术重构与边界探索”聚焦于人工智能、虚拟现实、算法生成等前沿科技对艺术创作方式、媒介结构与社会功能的深刻改变，审视艺术在现实与虚拟、个人与公共、在地与全球之间的新连接方式。
论坛伊始，主持人刘元捷老师详细介绍了论坛的背景与愿景
刘元捷指出，本次论坛源于中国美术学院教师中心的“匠心计划”，该计划怀揣三大目标：其一，加强校际联动，打破院校壁垒，促进不同学术共同体之间的成果互鉴与桥梁搭建；其二，应对时代变革，在学科交叉融合成为趋势的当下，共同探寻专业发展的新路径与新方向，回应社会对创新人才的需求；其三，助力教师成长，特别是为青年教师和骨干教师提供交流平台，帮助其明确学术定位与发展方向，实现从“独乐”的个人探索到“众乐”的学术共荣。
四川美术学院造型艺术学院院长唐勇致辞
唐勇深入解读了论坛的两个核心关键词：“城乡艺韵”与“独乐众乐”。他认为，“城乡艺韵”关乎艺术的公共转向，即如何让艺术创作走出工作室和美术馆，介入城市与乡村空间，以其独特的审美价值和社会导向赋予公共空间新的形态与意义。而“独乐众乐”则揭示了艺术家角色的演变——从服务精英审美的个人创作者，转向引领社会大众公共审美的普及者与导向者。这一转变对艺术家提出了更高要求，需要其具备社会学、公共美学、经济学等多学科知识，使作品能覆盖更广泛的因素与价值，从而引发公共情感与认同，使社会大众在艺术逻辑中找到共鸣。
分主题论坛一
巴别图书馆——
当代雕塑与公共艺术的路径转化
艺术家、策展人、中国美术学院跨媒体艺术学院教师武子杨：《“集体创世”与“社会游戏”》
武子杨分享了他基于数字媒介的艺术实践，探讨艺术的公共性与参与性。他通过疫情期间创作的、被使用超过30万次的社交媒体“滤镜”，说明了如何在不经意间构建集体叙事。另一作品《24 Panda》利用区块链技术，在虚拟世界中销售熊猫模型，并将一半收入自动分给原始模型创作者，以此关注数字劳工权利与更公平的分配系统。重点介绍的《未来预报》是一个实时模拟游戏，以菲律宾为案例，探讨发展中国家在“一带一路”等背景下云网络社会的演变。项目受“堆栈”理论启发，将世界分为六层（如地质、云、城市等），并通过接入真实数据（如气候、网速等）和玩家选择（如种树或治理河流等），实现“集体创世”，测试不同意识形态共同塑造世界的可能，反思科技发展中的公平与监控等问题。
四川美术学院重大题材创作研究中心主任、雕塑系教授、博士生导师彭汉钦：《主题性雕塑创作中个人情感的形态转化与实践分享》
彭汉钦分享了自己从极度个人化的创作转向国家主题性创作的实践与思考。他早期作品尺度微小，充满私人情感与青春记忆，体现了对内心世界的“微观看”。2017年后，他有机会参与国家主题创作，开始探索如何将个人叙事融入宏大主题。他提出“以主题为骨，情感为血，当下现实为肉”的创作路径，核心是“形态叙事”（雕塑语言）和与受众的“情感共鸣”。他以《敬老院》等国家主题创作为例，讲述了如何从个人记忆切入，在表现国家成就时注入鲜活的人性温度，例如在创作中将自身孩子的形象融入其中，使宏大主题具有更真挚的情感连接，实现从“独乐”到“众乐”的过渡。
上海美术学院雕塑系教授、系主任肖敏：《作为隐喻的测绘——“世界观”系列作品的创作思考”》
肖敏分享了其长期创作的“世界观”系列，该系列源于对空间认知和自我定位的思考。他从旧鸟笼、金鱼缸的经纬线与地球仪的相似性中获得灵感，认为这些封闭容器如同被选择的生存空间，具有宿命色彩。他尝试为其中的鸟和鱼“绘制地图”，从而深入研究地图学中的“投影法”，意识到地图并非客观存在，其形态强烈依赖于绘制者的目的和主观选择。他的创作过程包括为物体建立经纬坐标，选择投影法后进行平面展开，其结果看似精确客观，实则仍是艺术家主观预设的体现。作品如展开的头骨、胸廓以及用刀片制作的世界地图《方案》，都隐喻了权力如何按照自身愿望塑造世界，深刻探讨了认知、权力与表象背后的本质问题。
中国美术学院纤维艺术系教师刘嘉琛：《“技”与“艺”的交织—纤维艺术的感知维度》
刘嘉琛以编织艺术为主线，梳理了“技”与“艺”从融合到分离再到新背景下并行的演变史。她将历程分为六个阶段：原始时期技艺合一，手工编织时期技与艺相互影响，工业革命后威廉·莫里斯等人倡导“艺”以对抗“技”的异化，纤维艺术运动时期织物成为“软雕塑”走向空间，贾卡尔提花织机穿孔卡片启发了二进制则体现了“技”对“艺”的反哺。在当代数码编织时期，她以第五届杭州纤维艺术三年展为例，展示了艺术家如何通过AI生成、脑波感应、算法交互等新技术，将虚拟图像实体化，引导观众反思技术与人类感知的关系。她最后引用高世名教授的观点，强调艺术家的使命是在智能化时代保持人的感性活力，将科技重新转化为人类的世界经验。
青年雕塑家，四川美术学院造型艺术学院教师张超：《艺术新境中的路径与方法：从庄周梦蝶到AI张超的身份认同》
张超分享了自己从对雕塑语言的探索转向创造一位虚拟艺术家“AI张超”的颠覆性实践。他将这一转变称为“丧我”，即主动放弃被视为艺术家核心的“手感”、个人风格和情绪表达，转而建立一个算法系统，将自己过往的所有作品解构为“细胞”，再由系统重新生成全新的视觉形象。受“庄周梦蝶”和神话思维的启发，他思考身份的本质。基于现实中“张超”是一个普遍名字的趣事，他赋予AI系统“AI张超”的身份，并通过为其策划个展、以其名义签署展览合同、作为其“代理人”或“助手”参与活动等一系列制度实践，在现有的法律与艺术体系的模糊地带，为AI张超构建了社会存在的“证据”。他的项目超越了单纯使用AI工具创作的层面，上升为一个关于作者身份、版权归属、艺术价值以及人机关系的长期行为艺术，旨在探讨在未来，艺术创作的主体将如何被重新定义。
湖北美术学院公共艺术系主任、硕士研究生导师张有魁：《童稚的延续：日常存在与艺术现场》
张有魁通过充满幽默、在地智慧与社会关怀的方式，展现了艺术如何从日常生活的土壤中生长出来。他的创作深深植根于其山西的地域文化背景（如传统彩塑）和个人生活经验，并大量采用社会参与式的工作方法。在《宠物店》中，他将有“后台”的神兽置于透明笼内，幽默地隐喻社会现象；《望子成龙》项目联动上海等多地学校，用校服等材料制作龙形装置，探讨公共心理与集体记忆；发起的《凿山》计划则邀请村民直接在山体上雕刻个人愿望，构建了一个去中介化、由素人共建的信仰场域；他在武汉双年展上用茉莉花茶铺设地面，坐于船中为观众泡茶聊天，重塑了美术馆内的公共交往体验；他还通过虚构的“有记”品牌进行系列社会介入，“收购”整条街的店铺招牌。他的艺术的核心在于过程与关系，通过巧妙的策划，激发普通公众的参与和共创，在“独乐”的艺术家构想与“众乐”的社会现场之间架起了一座充满温情的桥梁。
美术学博士、青年艺术家武希文：《表达与感知：作为媒介的现场》
武希文讨论了“现场”如何成为当代艺术的核心媒介。他首先区分了艺术中“现场”的三个维度：观看的现场、创作的现场以及艺术家介入的社会现场。他认为，当代艺术的关键在于将“现实时间”引入审美空间。进而，他提出应从“作者端”和“接收端”来理解“现场作为媒介”：对艺术家而言，他们通过空间营造、观众体验设计和在场行为，将“现场”作为表达的媒介；对观众而言，“现场”则是感知的媒介，它传递的并非简单的知识或信息，而是一种难以言传的、具身的、直接的审美体验和独特视角。他强调，尽管当代艺术形式纷繁复杂，但其通过“现场”所传递的感知本质，与人类任何时代的艺术追求都是一致的，即那种超越语言的审美经验。
在讨论环节，中国传媒大学广告学院副院长武定宇、中央美术学院副教授李震对上午的发言进行了精彩点评
武定宇认为肖敏、张超、武子扬的作品偏向理性、观念与西方艺术史的脉络，展现出一种冷静的思考；而彭汉钦、张有魁则从强烈的个人情感和地域文化出发，逐步走向更广阔的公共性。他特别指出，张有魁的《凿山计划》等作品已具有强烈的公共艺术意味，其核心在于艺术家的发起与引导。他高度认同武希文关于“现场作为媒介”的分析，并指出刘嘉琛所探讨的纤维艺术本质上是“媒介作为人的延伸”。李震表示，尽管上午发言的嘉宾们创作和讨论的媒介和路径各异，但在深层意义上却呈现出融合的趋势。他认为，这种跨学科、跨领域的“混杂性”并置，正是当代艺术打破边界、开放融合的核心状态的体现，能为参与者提供审视自身创作与教学的新视角，具有重要启发意义。
分主题论坛二
数智时代的
艺术重构与边界探索
策展人，意大利MEET数字文化中心主席Maria Grazia Mattei：《数字艺术的公共呈现》
Maria Grazia Mattei以MEET数字文化中心的实践为例，深入探讨了数字艺术的公共性转型。她指出，数字艺术正在经历从技术实验到文化语言的根本性转变，其核心价值在于打破物理与虚拟的边界。通过展示多个创新案例，如将文艺复兴壁画转化为可对话的算法实体，或将历史档案变为可探索的虚拟空间，Mattei详细阐述了"沉浸式体验"如何重构观众与艺术作品的关系。她特别强调，数字艺术本质上是一种"社交语言"，艺术家应当成为"关系的建构者"，利用新技术创造更具参与性的艺术体验。Mattei还分享了对未来发展的展望，认为随着技术的成熟，"数字"这一前缀将逐渐消失，最终完全融入艺术表达的本体。
中国传媒大学广告学院副院长武定宇：《空间传播设计—公共艺术塑造有影响力的传播现场》
武定宇提出应以“空间传播设计”突破公共艺术理论瓶颈。他指出，公共艺术在本质上是一门传播的艺术，是一种在空间中叙事的“时间媒介”，其核心在于有效传播故事并获得文化认同。基于从美术学院到传媒大学的学术转型，武定宇强调需建立中国自主的公共艺术知识体系，并以传播思维重塑创作逻辑。他以团队为呼和浩特机场打造的交互作品《一幕览倾城》为例，具体阐释了这一理念：该作品位于机场核心区位，通过动态城市长卷、AR互动等技术，将文化展示与商业功能有机结合，成功论证了艺术装置作为“空间媒介”所能实现的综合传播效能。武定宇最后总结，空间传播设计意味着将传播考量前置，统筹策划、内容与运维，旨在设计具有特定传播属性和意识形态输出能力的空间。这不仅是一种方法论的转变，更是公共艺术在新时代实现其社会价值的关键路径。
艺术家、中国美术学院纤维艺术系教师郭耀先：《迭代的界面——算法与物质的共织体》
郭耀先探讨了数字技术与传统手工艺的对话可能。他指出，算法与物质并非替代关系，而是一种“共织”结构，并以其《迭代的界面》为主题分享了系列创作。他强调，物质中蕴含的文化记忆、温度触感等复杂信息无法被算法完全解析，其创作因而聚焦于“物质的编码”与“算法的误诊”，探索规则设定下艺术形态的自主演化。在作品《森罗万象》中，他将指纹视为“原生源代码”，通过光影交织展现个体特征融合产生的不可预见的涟漪；而在《熵》与《天书》中，他设定经纬线或摩斯码的转换规则，让设备自主选择与观众互动，生成不断变化的织体或信息，类比人工智能从“乱码”到“有序”的训练过程。其脑机互动作品《共象》更进一步，将三位观众的脑电信号实时转化为光纤色彩，实现跨意识的视觉共织。郭耀先认为，真正的艺术界面并非屏幕，而是人、作品与系统相互作用的“关系场域”。他提出，尽管算法能模拟逻辑，但物质的阻力、张力、温度以及手工经验带来的情感波动，仍是AI无法替代的“存在论体验”，因此物质性始终是人类创作的独特高地，而当代艺术正诞生于算法与物质这两个领域的交织之处。
艺术家、中央美术学院副教授李震：《从1到1000，构建想象的共同体》
李震阐述了其团队发起的“家园与诗”公共艺术计划，该计划旨在通过人人可参与的艺术行动，在当代城市中构建“想象的共同体”，以回应“美好生活”的深层需求。他援引亚里士多德与马斯洛的理论，指出当物质需求满足后，审美与认知需求以及良性的人际关系对于幸福感至关重要，然而中国快速的城市化进程却导致了地方特色消解与社区联结减弱。基于此，他们的实践核心在于通过低门槛的艺术共创，激活居民对“附近”的感知与情感联结。例如，在乌鲁木齐发起“种植1000朵玫瑰”行动，让市民共同制作纸玫瑰赠予城市，抵御冬日的萧瑟；在深圳则通过诗歌共创工作坊，让居民用词语碎片拼贴出属于社区的集体记忆档案，并将此转化为可互动的公共装置。李震强调，公共艺术的关键在于触发真实的公共讨论与见证，使空间成为公民分享情感与叙事的场域。迄今，该计划已在7个城市落地31场活动，吸引逾1500名市民深度参与，探索了艺术促进社区治理与空间活化的路径。
艺术家、中国美术学院副教授、硕士生导师徐戈：《动态艺术介入公共空间》
徐戈阐述了其将动态艺术介入公共空间的创作理念，并通过系列案例展现了如何以机械动力、声光交互及科技媒介等方式回应特定场域的文化内涵。他指出，户外动态艺术面临持久性与寿命的严峻挑战，而创作核心在于通过技术实现情感共鸣与叙事延伸。例如，在为竺可桢科技中学设计的沙画装置中，他放弃传统沙漏形态，以直径三米的动态沙画呼应地理学主题，并通过试验防冻液体解决低温技术难题；另一件风动装置则融合学校气象背景，赋予作品科学隐喻。其标志性的“屋子系列”进一步拓展了空间叙事维度：龙游的《摇摆屋》通过内置传感器与灯光模块，使物理空间转化为可互动的精神象征；上海城市空间艺术季的风动装置则以“种子传播”为喻，结合绘本故事构建多层次公众参与。徐戈还积极探索科技与艺术的跨界融合，如在新加坡艺术节将解构重组的球体钢琴与城市环境音结合，生成开放式乐章；在杭州亚运马术馆则以竞标方案突破传统马形象范式，展现抽象表达力。此外，他通过“一块蛋糕计划”将小型装置作为文化载体，在澳门以在地元素重构社会记忆，并尝试用AI工具拓展从物理到虚拟的叙事边界，凸显其动态艺术在公共场域中链接技术、人文与情感的持续探索。
艺术家、鲁迅美术学院雕塑艺术学院公共艺术系主任杨硕：《从文化公共性到场所认同的美学实践》
杨硕阐述了公共艺术实践从“审美介入”向“文化公共性建构”与“场所认同培育”的深化。他提出公共艺术作为文化符号，其创作始于可感知的图像，通过多维情境延伸，最终升华为连接公众与场所精神的整体观念，使作品与环境融为一体，赋予空间诗意。面对AI技术，杨硕认为其创造力真实且具关联性，核心价值在于作为“放大器”拓展人类探索空间，并将抽象情感转化为具体形式，成为艺术家情境化协作的合作伙伴。然而，针对AI的艺术主体性命题，他强调了艺术与审美基于人类特有感性、情感和意识的根本属性，指出当前AI的情感模拟仍属“情感计算”而非真实体验。因此，他主张人工智能是强大的辅助工具，而非艺术创作的根本主体，美学本质上仍是属人的学科。最后，他提及在丹东创作的志愿军公园项目，通过引入风动红缨等动态元素，在传统主题性雕塑中探索场所精神的活化，呼应了其理论思考与现实实践的联结。
圆桌讨论