美国法官千金叛逆！泼红酒泼出艺术史，色域大师当场傻眼！
更新时间：2025-12-08 18:45 浏览量：2
本文为深度编译，仅供交流学习，不代表智子说观点
美国抽象表现主义画家海伦·弗兰肯特勒为抽象艺术开辟了全新可能性。如今，全球众多博物馆展览正深入审视她的艺术遗产。
海伦·弗兰肯特勒是二十世纪中叶主宰美国纽约下城艺术圈的“上城女孩”。她凭借绚丽的色彩与薄如蝉翼的晕染技法，令评论家与艺术家们为之倾倒。美国色域画家莫里斯·路易斯称其作品是“杰克逊·波洛克与艺术可能性之间的桥梁”，堪称艺术界的启示。
她始终生活在时代的核心。她的密友包括美国艺术家大卫·史密斯、英国雕塑家安东尼·卡罗、美国艺术家安妮·特鲁伊特和美国画家格蕾丝·哈蒂根。她曾与美国艺术评论家克莱门特·格林伯格有过长达五年的感情纠葛。后来，她与美国抽象表现主义画家罗伯特·马瑟韦尔维持了十三年的婚姻。在此期间，她以在曼哈顿上东区的宅邸及马萨诸塞州普罗温斯敦的夏季别墅举办奢华晚宴而闻名。
身为美国纽约最高法院法官之女，弗兰肯特勒在纽约上东区成长，自幼便在优渥环境中滋养着对知识与文化的求索之心。她是阿尔弗雷德与玛莎·弗兰肯瑟勒（其母亲亦是怀揣绘画梦想的画家）三个女儿中的幼女，深受父亲宠爱。据传，童年时她常将母亲的红色指甲油泼洒在浴室水槽，沉醉于观察颜料飞溅的轨迹。高中就读于美国纽约道尔顿学校期间，她师从墨西哥著名艺术家鲁菲诺·塔马约。
随后她进入美国本宁顿学院师从美国画家波利·菲利。大学毕业后，她曾在美国哥伦比亚大学短暂研习艺术史，但很快重拾画笔，终其一生致力于绘画事业。1971年，弗兰肯瑟勒与马瑟韦尔离婚后，在美国康涅狄格州达里恩市建立了工作室。她一直在此创作，直至2011年逝世，享年83岁。
尽管弗兰肯塔勒的作品长期备受推崇（尤其相较于同时代其他女性艺术家），但近几年来，艺术界对其创作的热忱再度高涨。去年冬季，意大利佛罗伦萨斯特罗齐宫举办了《海伦·弗兰肯塔勒：无规则绘画》展览，这是意大利境内规模最大的弗兰肯塔勒作品展。该展览随后移师西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆。
目前，美国纽约现代艺术博物馆正举办“海伦·弗兰肯特勒：宏大挥洒”展览，在博物馆中庭呈现其作品精选，包括那幅欢快而恢弘的橘色巨作《董事会主席》。此次展览堪称这位艺术家的回归之作——她上一次在该馆举办大型个展已是1989年。明年对弗兰肯塔勒而言同样意义非凡——瑞士巴塞尔艺术博物馆将举办其迄今在欧洲规模最大的个展，这也是她在瑞士的首个博物馆个展。
值此艺术界盛赞弗兰肯塔勒之际，我们对其作品进行了深入剖析。以下是了解其艺术的三大关键点：
1952年，海伦·弗兰肯瑟勒的创作生涯迎来重大突破，这几乎是偶然的产物。某日，她跃跃欲试准备创作，却发现画布尚未打底（与多数画家不同，她惯常在画布上涂抹石膏底料）。她回忆道：“当时我可能非常急于作画，出于‘不耐烦、偷懒和创新’的念头，我决定直接上色试试看。”
颜料渗入未经处理的画布形成的染色效果激发了她的新尝试。她开始用松节油稀释颜料，将其倾倒在原始画布上并进行流动处理。1952年的作品《山与海》正是她首创的“浸染技法”的开山之作，呈现出即兴、直接且通透的效果。
对弗兰肯塔勒而言，这种本能的创作方式至关重要。她后来如此阐释自己的艺术实践：“艺术本无定规，突破正源于此。打破规则或无视规则，这才是创造的真谛。”至1960年代，弗兰肯塔勒的创作从以油画为主转向丙烯颜料。她有时更在同一画布上并用两种媒介。丙烯颜料不仅强化了弗兰肯塔勒色彩的饱和度，使她能以半透明色调塑造更鲜明的形态，其对画布的损伤程度也远低于油画颜料。
弗兰肯塔勒的浸染技法作品令美国年轻艺术家莫里斯·路易斯与肯尼斯·诺兰深受启迪，二人后来定义了色彩领域运动。1953年，克莱门特·格林伯格趁弗兰肯塔勒外出时（他持有钥匙）带路易斯和诺兰参观了她的工作室。两位艺术家目睹的景象令他们惊叹不已。诺兰回忆道：“我们不仅看到了《山与海》，还有她近期创作的一组画作，我们感到无比振奋。能够将色彩铺展在画面表面而不形成幻觉——这种理念对我们极具吸引力。”
1950年，海伦·弗兰肯特勒初次踏入美国贝蒂·帕森斯画廊，邂逅了美国艺术家杰克逊·波洛克的作品。弗兰肯特勒如此追忆这场决定性的相遇：“一切尽在其中。我渴望栖居于这片艺术疆域，必须在此扎根并掌握其语言。”
波洛克在画布上挥洒的狂放色带，让弗兰肯瑟勒领悟到艺术家如何驾驭自我与自然的即兴表达，而非简单重构既有理念。她从波洛克那里汲取了横向创作的实践——将画布铺于地面，直接倾倒颜料，往往不使用画笔。
在那个时代，弗兰肯塔勒对抽象表现主义的拓展性实践既赢得赞誉也招致嘲讽。其色彩的丰润与笔触的感性挥洒，被拥趸与批评者共同冠以“女性化”、“诗意”乃至“纯粹之美”的标签。弗兰肯塔勒本人认为，性别与她的创作几乎毫无关联。部分当代评论家确实欣赏她艺术探索中的真诚与坦率。1972年，美国作家芭芭拉·罗斯精辟指出，弗兰肯塔勒的画作“既表达了图像的自由、即兴、开放与精妙——这些特质不仅源于工作室或思想，更与自然及人类情感紧密相连”。
目前在美国纽约现代艺术博物馆展出的弗兰肯塔勒作品《雅各的天梯》（1957）暗示了她超越现代主义的艺术追求。垂直构图中充满力量的笔触。画面前景由青绿色、珊瑚色与淡紫色构成的抽象形态层层叠叠，向上延伸至顶端，最终在缥缈的淡色泼溅中达到高潮。此作灵感源自17世纪西班牙画家何塞·德·里贝拉的画作《雅各的梦》（1639），描绘圣经中以撒之子雅各逃离舅父家园后入梦，目睹天地间神圣联结的场景。弗兰肯塔勒数年前曾在西班牙马德里普拉多博物馆观赏过此画。
“创作过程中，画面逐渐演变为象征丰沛生命力的形体与天梯，”她解释道，“故名《雅各的天梯》。”这种从古典名作汲取灵感的做法在弗兰肯塔勒创作中并不罕见。美国艺术史学家亚历山大·内梅罗夫在其2021年出版的传记《凌厉的优雅》中写道：“她会研究古典大师的作品来深化自身艺术，从史上最伟大的艺术家身上汲取直接灵感，与这些历史人物建立想象中的联盟——正是他们依据她内心某种标准，赋予其艺术以尺度与庄重。”
在弗兰肯塔勒的部分画作中，这些历史影响直抵画面表层。例如，她1981年的作品《致E.M.》这幅向法国印象派画家爱德华·马奈致敬的抽象再创作，正是对马奈1864年作品《带鲤鱼的静物》的抽象化重构。
瑞士巴塞尔美术馆即将举办的展览将首次深入探讨弗兰肯塔勒对艺术史全景的痴迷——从学生时代对西班牙画家毕加索、法国画家塞尚和俄国画家康定斯基的关注，到欧洲长途旅行中培养的对意大利画家提香、佛兰德斯画家彼得·保罗·鲁本斯和法国画家克劳德·莫奈的热忱，有望为解读其艺术实践提供全新视角。
作者：凯蒂·怀特