60后艺术家蔡锦，刚刚好进入当打之年｜艺术栗子

更新时间：2025-12-22 01:57  浏览量：1

近两年，蔡锦个展接踵而至，这位早在20世纪90年代便已成名的艺术家，迎来新的创作高峰。对于这一年龄段的艺术家来说，生命的阅历、创作的积淀、思想的深度步入更好的境界。

今日美术馆的个展通过70余件作品、文献及影像进行系统性学术梳理，呈现蔡锦30余年创作生涯的整体脉络。一批未曾公开的早期手稿、肖像习作及相关文献的纳入，为研究者与观众追溯艺术家的风格形成与思想变化提供了较为完整的材料。

蔡锦的艺术始终从个体的身体感知出发，将细微的生命体验转化为独特的视觉语言。在她的作品中，身体不仅是创作主体，更是连接自我与世界的媒介。身体在此既是感知的源头，亦是与物对话的通道，丈量出存在本身的痕迹。

12月13日至2026年3月1日，艺术家蔡锦个展“身体、物性、绘画：蔡锦（1990-2025）”在今日美术馆展出。作为中国20世纪90年代以来最具代表性的女性艺术家之一，蔡锦的艺术风格以植物生命形态为载体，通过东西方美学的交融与材料语言的革新，构建了独特的视觉哲学体系。

身体、物性、绘画：蔡锦（1990-2025）

2025.12.13-2026.3.1 今日美术馆

展览首次以“身体、物性、绘画”为框架，以这三个关键概念作为核心线索，贯穿不同时期的作品。这一框架为观众提供了一条理解蔡锦创作演进的潜在路径，呈现其如何在不同阶段处理感知、材料与表达的关系。

看似单纯的艺术主题，却能产生无限的多义性。展览包含20世纪90年代至今的重要系列，涵盖早期肖像探索、代表性“美人蕉”“花卉”“水果”“风景”系列，以及近年以浴缸、软管等现成物为媒介的装置实验。

蔡锦在展览现场

蔡锦创作中标志性的，美妙而独特的“缠绕笔触”如同绣花或编织，从一个细节自然延展，而非预先构思整体框架，层层叠加的笔触不仅构成形式，更是时间的记录和生命状态的映射。

当生命被置于显微镜下，我们看到的不仅是细胞的结构，更是存在本身的涌动、生长与变异。蔡锦的作品便是在视觉与物性的维度上，将这种生命的微观动态外化为一场场充满张力的美学实践。

展览以蔡锦的艺术生涯为经，以三大创作维度为纬，试图呈现其艺术中的“细胞式生长逻辑”。我们不仅看到绘画语言的不断深化，更见证了一位艺术家如何在与物的偶然相遇中，构建起一个充满身体性、时间性与哲学反思的艺术世界。

第一维度是绘画本身。从中央美术学院时期对人物肖像的塑造，到“美人蕉”系列中那些如细胞裂变般蔓延的色彩与形态，蔡锦的画笔从不满足于再现，而是试图捕捉生命体内部不可见的能量流动。

这些画面中强烈的身体感，令人联想到梅洛-庞蒂所言的“身体图式”——绘画不是对外部世界的模仿，而是身体与世界交织的痕迹。而在花卉、水果与风景系列中，我们既看到生长的蓬勃，也看到衰败的痕迹，一如海德格尔对“存在与时间”的思考：生命在绽放的同时，已内含消逝的宿命。

第二维度是“前现成物”的运用。1995年起，蔡锦不再满足于只与画布打交道，开始将日常之物纳入创作，对于物的选择往往源于瞬间的共鸣。最初进入艺术家世界的是床垫与自行车坐垫，他们都以柔软的姿态，承载着身体的触摸；又在不经意中回应了90年代北京的时代性。

1997年，西雅图二手鞋店中如色卡般排列整齐的一排排丝绸高跟鞋，深深浅浅的红与绿以其沉默的姿态闯入艺术家的视野；1998年，垃圾堆中的旧浴缸，以残破的形态承载着私密性与废弃感的矛盾张力。这些物品本身携带着身体的记忆与使用的痕迹，艺术家通过绘画的介入，使物与画形成一种共生关系。

浴缸的创作最初以绘画与现成物的结合为起点，逐渐演变为物与物的直接对话——镜面、树脂、蜡等材料的叠加，不再依赖画笔的转译，而是让物性自身发声。这种从“物与画”到“物与物”的转化，标志着艺术家对物性探索的深化。

第三维度是“后现成物”的创作。浴缸系列在后期的实践中，逐渐脱离绘画的介入，转向纯粹物与物的碰撞。2021年住院期间偶然进入视野的医疗软管，进一步拓展了这种物性对话的边界。一根根柔软蜿蜒的管道，以离散却又聚合的方式，将空间、记忆与感知编织成一个有机的网络。

他们不是隐喻的符号，而是物自身的存在方式——一种在连接与断裂、充盈与空虚之间流动的生命状态。这种创作不再试图定义物的意义，而是让物在彼此的关联中自然显现其能量与节奏。

对于有然而言，蔡锦的作品始终有一种“将生命体细胞外化的活感”。在她的画布上，色彩如细胞般分裂、蔓延、变异；在物的重构中，记忆与能量如新陈代谢般不断循环。她的艺术不是对生命的隐喻，而是生命本身的赋形——一种在物性与笔触之间不断生成的“生命的肌理”。

本次展览通过作品、手稿、现成物与文献的并置，呈现这位艺术家如何以30余年的坚持，在绘画与物的边界上，书写出一部关于存在、时间与记忆的诗学。

文字｜有然、罗自立

图片｜今日美术馆、蔡锦