如何理解现代/笔记46 ：艺术如何精准反思现代性？

更新时间：2026-01-22 09:45  浏览量：2

1、现代艺术不再局限于审美愉悦，而是精确瞄准日常，成为反思现代性的有力工具。从谢德庆的行为艺术开始，艺术直接介入生活，揭示那些被默认的秩序与规训。谢德庆的《打卡》作品通过极端化日常行为，将现代时间对人的支配可视化，引导观众质疑时间的抽象性如何塑造生存节奏。这种艺术实践表明，现代艺术的核心功能之一是批判——它像一面镜子，映照出社会中的机械性、异化和控制。艺术与现代精神的互动，提供了独特视角，让我们从习以为常中抽离，重新审视世界。通过具体作品，艺术激发对话，挑战既定规范，从而开拓新的感知与思考方式。

谢德庆《打卡》海报，© 谢德庆

2、谢德庆在1980年至1981年进行《打卡》行为艺术，要求自己每小时打一次卡，每日24次，持续一年。他通过拍照记录每次打卡，总计8760次（原始文本中87640次似为笔误），失误133次。这一作品将日常上班打卡仪式极端化，突显机械时间对人的碎片化分割。谢德庆的身体被闹钟强制唤醒，睡眠中断，生活完全受制于时间表，直观展示了现代社会中抽象时间如何规训身体与行为。作品不仅是工厂制度的隐喻，更是对现代生活异化的抗议。通过艺术，谢德庆让观众切身感受时间压迫的残酷，从而引发对时间自主性的思考。

3、谢德庆的作品深刻揭示现代时间如何从自然时间中抽象出来，成为支配性力量。机械钟表的发明使时间均匀分割，人必须适应这种理性节奏，尤其在工业社会中，打卡制度确保效率，却将人机械化。谢德庆通过行为艺术，将规训后果极致呈现：生活碎片化、身体被反向操控。这反映了现代性中理性秩序对个体生活的侵蚀，艺术在此扮演警示角色，揭露时间背后的权力结构。作品阐释开放，可解读为对抗生产方式、反抗异化等。这种多义性增强了艺术反思的深度，促使我们探索夺回时间自主的可能。

勃鲁盖尔《三王来朝》

4、自画像在艺术史中经历从神圣到个体的演变。中世纪和文艺复兴时期，画家常隐藏于群像，如勃鲁盖尔在《三王来朝》中将自己画入人群，仅作为旁观者。丢勒则将自画像神圣化，画成耶稣模样，赋予自我神圣光环。伦勃朗创作大量自画像，记录时光流逝，但更多是外部记录，尚未深入内心阴暗面。这些早期自画像仍依附宗教或社会角色，缺乏个体真实表达。自画像作为形式，逐渐从神圣叙事转向世俗探索，为现代自画像铺路，预示艺术家将从外部再现转向内心挖掘。

梵高《自画像》，1889

5、梵高打破传统，在自画像中直接展现痛苦，如《割耳朵后的自画像》描绘苍白面容、深陷眼窝，传达内心折磨。他一生创作约40幅自画像，晚年作品尤其紧张，直觉传递痛苦感。这种表达将个体负面情绪合法化，艺术不再掩饰，而是直面人性阴暗。梵高回归个体本身，探索自我真实，用鲜艳色彩、奔放笔法表现情绪，标志艺术从外部再现转向内部表达。与高更等同时代艺术家一起，梵高取消了古典高贵，拥抱真实痛苦，反映现代个体主义精神的崛起。

6、梵高的艺术转变背后，是文艺复兴、宗教改革后个体主义精神的扩散。19世纪，艺术家不再依赖宗教题材，转而探索内心感受。绘画不再需要戏剧性故事，而是注重视觉元素本身，如色彩、笔法的张力。梵高使用明亮色彩、粗犷笔触，直接表现情绪，体现了个人从集体中解放，艺术成为自我表达工具。这种精神扩散到艺术领域，使画家敢于展示痛苦、变态等先前禁忌的主题。艺术 thus 成为个体对抗社会规范的阵地，推动对现代性中个体处境的反思。

里希特《两根蜡烛》，1982

7、照相机发明后，绘画的再现功能被挑战。里希特早期画照片，看似讽刺，实为探索媒介性。他利用照片的客观性纠正个人观察偏见，避免风格化，如作品《两根蜡烛》远看像照片，近看更模糊、疏离，呈现独特感觉。里希特关注照片作为媒介的中立性，能抹平对象特殊性。通过画照片，他质疑绘画本质：当再现被替代，绘画何去何从？这一阶段体现艺术从传统写实转向自我反思，为抽象绘画铺垫，突出媒介差异与艺术自律。

里希特《192色》，1966

里希特《灰色》，1968

8、里希特从具象转向抽象，如《192色》用色块排列营造节奏感，《灰色》以灰白机理探索纯粹感觉。这些抽象画回到艺术基本元素，解放绘画从再现中，强调色彩、形状的自主性。类似现代主义早期抽象（如康定斯基），里希特的作品仍有秩序与控制，色线排列形成愉悦美感。这种转向是绘画现代化的关键步骤，从描绘外部世界到表达艺术本质，让观众专注于形式本身，而非叙事。抽象画因此打开新的审美体验，强调艺术的感觉性。

里希特《抽象画》，2014

9、里希特后期采用刮画技法，将色彩涂布后用木板刮擦，产生随机斑驳，如《抽象画》（2014）体现“非盲目的偶然性”。他对抗创作规则，拥抱偶然和破坏，刮画前结果未知，作品在过程中生成。这彻底抛弃写实和情感表达，唤起纯粹感觉，绘画不再是绘画，而是事件或过程。里希特挑战艺术创作的传统观念，强调随机性作为创新来源。这种激进抽象反映当代艺术对确定性的怀疑，鼓励观众接受不确定性作为现代性的一部分。

10、弗朗西斯·培根创作怪异形象，如扭曲的肉、嘴巴或眼睛，画作惊悚，模糊可辨形象，但不同于古典叙事。德勒兹在《感觉的逻辑》中分析，培根的画是感觉呈现，而非故事表演。形象被色块隔离，孤独封闭，色彩运动构成形象。培根回到形象本身，探索身体与感觉，取消有机组织，展现肉的原始状态。这挑战传统人体绘画，将人还原为物质存在。培根通过艺术，质疑人的定义和可能性，反映现代性中身体的异化与重构。

培根《绘画》，1978

11、培根画肉，而非身体，是对人和动物共同区域的探索。肉是不可区分区域，代表生成前的混沌状态。德勒兹称肉是培根怜悯的对象，画作展示“没有器官的身体”，器官临时在场，缺乏有机组织。培根由此呈现身体的无限可能性，超越既定规范。在现实中，怪物被排斥，但艺术中，可能性被肯定。培根通过肉，表达创造性和生成哲学，画作具有思想性，让我们看到其他生成方式，打破常规思维。这里艺术成为哲学思考的媒介，挑战现代性中的固化分类。

12、谢德庆、梵高、里希特、培根等艺术家，用不同方式反思现代性：谢德庆对抗时间规训，梵高探索个体痛苦，里希特拥抱随机性，培根执着于肉的可能性。他们的作品挑战理性秩序、神圣传统和社会规范，揭示现代生活的默认值，唤醒钝化感官。这些作品看似难解，但背后有深刻的现代性思考，提醒我们文明秩序既形塑也制约人。艺术通过对抗与反叛，开拓新的可能性，在现代进程中持续对话、沟通，推动反思与创新，成为不可或缺的批判力量。