肖蓝•破界——中国艺术家未完成的艺术革命线上特别展

更新时间：2025-09-03 09:54 浏览量：3

序言

艺术，自古以来便是人类情感与思想的载体，它如同一条奔腾不息的河流，穿越历史的长河，见证着时代的变迁与文化的演进。在中国这片古老而充满活力的土地上，艺术家们始终肩负着探索与创新的使命，他们以独特的视角、敏锐的感知和无畏的勇气，不断突破艺术的边界，试图在时代的浪潮中掀起一场场未完成的艺术革命。

“破界”一词，恰如其分地概括了中国艺术家们在艺术创作道路上的不懈追求。他们打破传统与现代的界限，跨越东方与西方的文化隔阂，融合不同艺术形式与媒介的壁垒，以全新的理念和手法，重新诠释艺术的内涵与外延。在这个过程中，他们不仅挑战了既有的艺术规则，更引发了观众对于艺术本质、社会现实以及人类精神世界的深度思考。

然而，这场艺术革命并非一蹴而就，它是一个持续演进、不断深化的过程，充满了未完成的探索与未知的可能性。艺术家们在探索的道路上，始终保持着对未知的好奇与敬畏，他们深知艺术的边界是无法穷尽的，每一次的突破都只是新的起点。正是这种未完成的状态，赋予了艺术永恒的魅力与活力，激励着一代又一代的艺术家们前赴后继，投身于这场伟大的艺术革命之中。

此次“破界——中国艺术家未完成的艺术革命线上特别展”，旨在通过线上展览的形式，打破时间和空间的限制，让更多的人能够领略到中国艺术家们的创新精神与独特魅力。在这里，你将看到来自不同年代、不同背景的艺术家们的作品，它们或以传统技法为基础，融入现代元素；或以数字技术为手段，展现传统意蕴；或以跨学科的方式，探索艺术与科技、哲学、社会学等领域的融合。这些作品如同一颗颗璀璨的星辰，照亮了艺术的夜空，也为我们指引着前行的方向。

我们希望通过这个展览，能够激发观众对于艺术的热爱与思考，让更多的人感受到艺术的力量与魅力。同时，也期待更多的艺术家能够加入到这场未完成的艺术革命中来，以他们的智慧和才华，为中国艺术的发展注入新的活力，共同书写属于我们这个时代的艺术华章。

让我们一同走进这场“破界”的艺术之旅，在未完成的艺术革命中，寻找属于自己的精神家园。

北京墨真书画院编辑

肖蓝，湖北美术学院中国画学院教授，中国工笔画艺术研究所所长，中国美术家协会会员，湖北省工笔画学会副会长，湖北省中国画学会理事，中央美术学院访问学者。 2010年在北京航空航天大学艺术馆举办个展《精神的隐喻—肖蓝绘画作品展》，参加了文化部举办的中国艺术大展和主题性创作展；全国第五、第六届工笔画大展；第九、十一、十二届湖北省美术作品展等。作品被外交部、湖北美术馆、深圳美术馆等及个人收藏。

构成一个自己的图像世界

肖蓝在中国画学院任教，带着为数不少的国画研究生，一向被看着中国画画家。但他在国画界却是一个独特的存在，因为他的画最像中国画，但仔细看他的作品，又最不像中国画。像中国画是因为他确实是用中国画的方法在画画，使用最地道的中国画材：宣纸、绢、毛笔、墨等等；熟练的使用中国画的技法，勾皴点染、随类赋彩，还有装裱题款印章等国画的形制。但他在做着这一切的时候总想着，我如何和别人做的不一样，如何给大家一点新的东西看。以肖蓝的性格，他一定是悄悄的在做，在这个悄悄做的过程中，他使用传统工具材料，逐渐创制了一个属于自己的图像世界，他的创制方法主要是构成。

初夏之二cm 91×110cm 纸本设色 1996年

在这个属于他自己的图像世界里，首先给人印象深刻的是他的色彩，他常常使用色彩饱和度很高、非常明丽的色彩，使人物、景物仿佛都映照在正午的阳光下，形成“正午景色”。色彩之外，他的构图也非常特殊，他的画面追求构成感，没有中心视点，但又不是中国画所谓的散点透视，而是按照前后远近疏密关系，将对象安排在画面上，给人的观感是，画面上什么地方显得空，就安排一个物件或人物，有些人物画也常常采用非对称性构图，主要描绘对象往往居于画面的边沿。由此我们看到，肖蓝的绘画既不是传统的写意性世界，要追求笔墨意趣或表达画家的人生趣味；又不是 “浓丽而不失雅正”的传移模写式的工笔。而是一个构成的世界，他的所有画面基本上都是构成性的，构成本是设计的基本方法，肖蓝全面运用所谓三大构成的方法来结构他的画面，使他的画面有别于传统的国画，也就是说，他用现代设计构成的方法，把传统国画画面解构了。这是他的国画不太像传统国画的基本特点。针对不同的题材和科目的作品，他分别运用了色彩构成、平面构成，和立体构成的方法。

晌午之五 48×52cm 纸本设色 2003年

在色彩构成的运用上，他的几乎所有着色的作品，都可以看到构成的运用。除了2009年传统工笔作品《流韵》，因为人物的服饰是按照演出的现场如实描绘的，其他所有作品都有色彩的主观安排，哪怕是2014创作的写实场景的《有风筝的风景》，也有色彩的构成性考量，他作品中对色彩构成的运用，不是简单的按照设计色彩构成的规律生搬硬套，而是首先体现在主观的色调上，在统一色调的基础上，对不同描绘对象来进行主观分色，使画面形成独特的色彩氛围，形成了他图像世界最明显的一个特点。

长江之滨 180×180cm 纸本设色 2004年

立体构成的运用，在他所有作品中也都有体现。在肖蓝的笔下，我们很明显的看到，我们所生活的大都市，就是一个构成的世界。他的作品很显然属于都市题材，大都市是现代的产物，我们在传统绘画里面能看到最繁华的大都市莫过于《清明上河图》了，但那里面，人、动物、树木、桥梁、房屋，都是和谐的，虽然画面看起来也很密集，但透露出烟火气，密集而不拥挤，有一种和谐的内在秩序。而现代大都市，人与环境是分离的，他用立体构成的办法，把现代城市进行拆解，把人，还有动物要么圈起来，或者看到都市人在建筑的空地上，盲目的希望在都市找到一个依托。在一些建筑的表面，他还象征性的画了一些网络线，使得鸟也飞不出，只能瞪着迷茫的眼睛：而有些人却找到了自己的办法，索性在这建筑的丛林中，小舟垂钓，既闲适又无奈，由此对城市丛林带给人的异化进行了质疑和反思。

晌午之七 52×52cm 纸本设色 2004年

平面构成的方法，当然运用的最普遍，几何块面和几何线条是他的基本造型元素，但他的块面和线条常常并不为造型服务，而只是对画面进行分割，以增加画面的形式感，特别是他山水画中对线条的运用非常有创意，我们看他画山石，没有皴法，全用集合式的线条来结构山体，但是由于这线条又与造型密不可分，造成用线条代替了皴法的效果，让我们看到，不用皴法也可结构山水，这样无形中解构了在传统山水中具有神圣性的技法——皴法。

晌午之十 140×150cm 纸本设色 2004年

我们把这三种构成的方法分开来分析，并不意味它是分开来运用的，这三种构成方法在一个画面上常常综合运用，并且在运用时保持了适当的限度，如在画建筑时，从基本形态来看，让人往往觉得建筑还是以它本来的形态在它应在的位置上，但实际上从形态到色彩上都已对它进行了重构，有些画面的建筑当然已经不在它原来的位置上，甚至被倒置，围合起来，像一个牢笼。当然，更普遍的方法，是平面和色彩构成的综合运用，这在他的工笔人物系列、山水系列都十分明显。值得进一步分析的是他的山水系列作品，前已述及，他的山水基本不用皴法，完全靠线分割成色块，分出山形，其主观的色彩安排与线性分割，不仅画出了中国画古典山水的感觉，而且有着静穆的美感。把这样画出来的山水与他人物系列背景的建筑对比，看起来拉的很开，实际上是一样的办法，由此我们可以看到，肖蓝把几种构成融合运用的已经非常纯熟。

行走的人 20×30cm 纸本设色 2004年

现在我们要追问的是，肖蓝熟练使用构成方法追求特殊的画面结构，仅仅是一种形式上的安排吗？当然不止如此，其实他是用现代主义艺术的方法，从形式出发，先用现代设计语言的办法，把画面变过来，变成具有现代感的画面，然后再根据画面形式自然改编起造型作用的物象。简言之，他的画面仿佛是形式至上的，好像因为形式的需要只能如此描绘物象。其实他是反其道而行之，他是先设定了要如此描绘物象，而且只有如此描绘物象才能说出他要说的话，于是费尽心思预先设定了这样的形式，找到了现代构成这种语言。这些没有五官的人物、挪位倒置的建筑，没有皴法的山水、几何化的树石、布景一样大海中的人物，才是他真正想说的话，也即他思想和观念的所在。至于他想说什么，每个观画者都有自己的答案。

晌午之十二 60×60cm 纸本设色 2005年

在一个继承与创新充满矛盾的时代，有觉知的艺术家会面对这个矛盾并寻找突破口，肖蓝的艺术在这个时代具有表征性，他知道守成与创新、求新与求变的限度。他温和的坚持着自己，有点犹豫又在坚定地往前走，他非常注重画面效果的独特性探索，其实是想把这种探索性落脚到思想和观念的思考与表达。他的艺术不极端，但足以让我们看出其探索思考的多种面向。

吹肥皂泡的小男孩 52×52cm 纸本设色 2006年

于是，肖蓝用古典的画种和基本技法，现代的画面处理方法，表达了当代的艺术观念。肖蓝就这样不经意的将前现代、现代、当代融为一炉，实现了画面形式性和艺术观念性的统一，相当具有隐蔽性。他不是想隐藏什么，这是他内敛的性格使然，但这种性格的坚韧性，使他仿佛不经意间，将一个传统画种推进到了当代，“构成”了一个属于他自己的图像世界，至少和一些挂在口头上的创新艺术家拉开了距离，这是肖蓝给我们的惊喜，也是他对当代国画的一个贡献。

湖北美术学院教授刘茂平

2025年8月于藏龙岛