国画研学丨中国绘画似与不似的具体实践

更新时间：2025-04-09 06:35  浏览量：6

文/苦墨

“似与不似”是中国传统绘画中关于形神关系的核心理论，由近代画家齐白石明确提出：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”，强调在物象描绘中既不完全拘泥于客观形似，也不脱离物象本质，追求“形神兼备”“以形写神”的艺术境界。

一、观察与提炼：超越机械模仿的“意象造型”

1. 提炼本质特征中国画家观察事物时，注重捕捉对象的“神韵”而非细节堆砌。例如画花鸟，会忽略无关的枝节，突出花瓣的姿态、鸟类的眼神或动态（如齐白石画虾，简化虾的躯体节肢，强化透明质感和游动感）；画山水，注重山势的“龙脉”走向、云雾的气韵流动，而非精确的地理临摹（如元代倪瓒的山水，以极简线条勾勒山石，强调“逸笔草草，不求形似”）。

2. 取舍与夸张根据主题需要对物象进行主观取舍或夸张。八大山人笔下的鱼鸟常翻白眼、造型怪诞，通过肢体语言传递孤高冷寂的情感；吴昌硕的花卉，花瓣线条粗犷奔放，色彩浓烈，强化生命力的表达，而非自然主义的逼真。

二、笔墨表现：以笔墨韵味传“神”

1. 笔墨独立于形似中国绘画的笔墨不仅是造型手段，更是情感载体。如宋代梁楷的“减笔人物”，寥寥数笔勾勒衣纹，通过墨色浓淡、线条疾徐表现人物神韵（如《泼墨仙人图》以泼墨大写意表现仙人的豁达超然）；元代黄公望《富春山居图》的山石皴法，以“披麻皴”的笔墨节奏模拟山川的质感和韵律，而非具体的岩石结构。

2. “写意”与“工笔”的辩证统一

•写意画：侧重“不似之似”，如徐渭的水墨葡萄，以狂草般的笔触挥洒枝叶，墨色交融间展现葡萄的晶莹与生机，不拘泥于具体形态。

•工笔画：虽追求细腻工整，但并非完全写实，而是通过线条的韵律（如“高古游丝描”“铁线描”）和色彩的主观处理（如唐代仕女画中夸张的丰腴体态、理想化的肤色），传递物象的精神特质。

三、构图与意境：虚实相生的空间营造

1. 留白与虚实通过大面积留白（如马远的“一角画”、夏圭的“半边山”）、淡墨渲染（如宋代山水画中的朦胧烟岚）创造“似有若无”的意境，让观者通过想象填补画面空白。这种“不似”的空间处理，实则是为了突出核心物象的“神似”（如南宋牧溪的《渔村夕照》，以淡墨模糊的背景衬托渔舟的剪影，强化暮色苍茫的氛围）。

2. 时空重组打破客观时空限制，将不同时间、空间的物象组合于画面，体现“意境大于实景”。如明代仇英的《桃源仙境图》，将山峰、溪流、桃花、人物按主观意境布局，营造出超脱现实的理想世界，而非真实地理场景的再现。

四、象征与寓意：以象达意的深层表达

1. 借物抒情通过物象的象征意义传递精神内涵，形成“似与不似”的隐喻。如郑板桥画竹，竹的挺拔、空心、有节，象征文人的气节与品格，竹的形态可能略异于真实，但精神特质却高度契合；宋代文人画中的“墨梅”，以单色水墨表现梅花，舍弃色彩的“似”，强化“不要人夸好颜色，只留清气满乾坤”的意境。

2. 程式化符号的运用传统绘画中形成的程式化语言（如山水画中的“点苔”“皴法”，花鸟画中的“勾勒填色”），既是对自然的提炼，也是超越具体物象的符号化表达。这些符号看似“不似”真实细节，却能唤起观者对物象整体特征的共鸣（如清代石涛画兰，以简练的线条组合表现兰叶的飘逸，虽非自然照搬，却尽显兰的“幽香”之神）。

五、传统理论的实践根基“似与不似”的实践源自中国艺术“重神轻形”的传统：

•魏晋顾恺之提出“以形写神”，强调形似为传神服务；

•唐代张彦远《历代名画记》称“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔”；•宋代苏轼“论画以形似，见与儿童邻”进一步强化神似高于形似的理念。

这些理论共同构成了“似与不似之间”的实践指导，使中国绘画在观察、造型、笔墨、意境上始终围绕“神”的传达，形成区别于西方写实绘画的独特体系。

“似与不似”的核心是“意”的表达中国绘画的“似”，是对物象本质特征的提炼与概括；“不似”，是对机械模仿的超越与主观情感的注入。二者的平衡，最终服务于“意境”的营造——通过有限的物象（似）引发无限的联想（不似），让观者在“似真似幻”中感受画家的精神世界与宇宙观。这种实践不仅体现在文人画的写意风格中，也贯穿于工笔、重彩等各类型绘画，成为中国艺术“写意精神”的核心体现。

编辑/金涛

出品/现代艺术

学术主持：中国美术家协会、中国书法家协会、中国艺术研究院。文化支持：新华网、人民网、腾讯新闻、网易新闻。

特别声明：部分图片来源于网络，不作为投资收藏的依据，仅供艺术爱好者参考，如有异议请联系刪除。