青年艺术家创作谈丨何旭星
更新时间：2025-12-06 10:20 浏览量：3
何旭星，1989年生，现任教于阜阳师范大学。
作品入选“八大山人”全国山水画展等全国性展览，获韩国“2020 大韩民国金钢美术大展”特选、“第20届大韩民国安坚美术大展”最优秀奖。作品被多家机构收藏。
昨天、今天、明天 —— 在过去与将来之间
前言
安徽省美术馆近年持续推进“青年艺术家扶持计划”（下称“青扶计划”），该计划以集中呈现青年艺术创作成果、助力地域青年创作力量成长为核心目标，已成为激活地域艺术生态的重要实践载体。此次 “青扶计划” 十人联展如期启幕，我有幸作为参展创作者之一，与其他青年艺术家共同亮相安徽省美术馆 10 号展厅。这是我第三次大型展览实践，前两次为海外个人展，而本次展览则是我在国内省级层面的首次集中呈现，具有比较重要的阶段性总结意义。
此次展览并非以系列形式展示，最早的作品创作于 2015年，最新的作品完成于2024年。作为跨年度的创作总结，6件参展作品系统呈现了本人在艺术表达上的探索轨迹：从传统绘画技法的深耕到现当代艺术表现形式的尝试，通过多元创作手法的实践，构建个体表达与公共叙事的联结。此次集中展示，既是对过往创作实践的梳理，也是对地域艺术生态中青年创作力量的回应，与“青扶计划”推动地域优质美术作品走向公众视野的目标形成呼应。
一、昨天：创作实践的积淀与溯源
从传统到现当代的转变是否存在标准答案，我无从定论，我所坚持的，是在创作中不断进行自我认知的微小校对 —— 校对的并非美术史上的艺术大家，亦非现当代艺术评论、艺术理论家的学说，而是我自身对绘画的理解，试图以最真挚的一笔一画勾勒属于自己的画面。
创作初期，我经历了对传统绘画的 “抄袭”（或雅致而言 “拟某某笔意”）阶段，后又为适配展览语境尝试模仿当代某位大家的表现方式。这些阶段性的学习经历，均在此次参展作品中有所体现。于我而言，这些并非需要刻意回避的过往，而是艺术学习过程中不可或缺的组成部分，构成了创作认知逐步深化的基础。
2022年9月13日，我在韩国大田广域市举办了博士毕业个展。就展览而言，我所就读的学校明确规定，毕业需举办个人展览，作品不仅要具备明确的主题方向，数量还需达到支撑中型美术馆展示的层级，且质量必须过硬——这也使得不少同学经历了 “边哭边画，边骂边画” 的创作过程，回想起来颇有感慨也挺有意思。那次以“崇高”为主题的展览，对我而言是一次较为成功的实践，时隔三年仍无过多后悔与遗憾。恰恰是那次展览，为我后续几年的创作指明了方向，明确了 “我——伟大的思想者——主题——时代” 的创作路径。
《生成3》何旭星 皮纸 水墨设色
180x400cm 2022年
本人系统学画已二十二年，涉猎领域包括素描、色彩、陶瓷装饰、国画、韩国画等，甚至接触过装置艺术。旁人或许认为这种涉猎不够专精，但我始终庆幸能接触如此多元的艺术表现形式。至今，我仍不敢自诩为 “画家”，更愿以 “学生” 自居——二十多年来始终在学习，未来仍有第二个二十二年、第三个二十二年的探索之路。
二、今天：风格认知的本质与当下表达
这些年的创作积累，核心不在于作品数量的堆砌，而在于持续的投入——既包括站在画板前的技法实践、坐在电脑前的理论梳理，也涵盖不想画画时坐在红色沙发上刷手机的间歇思考。
本次参展作品并未形成统一的图式“风格”，与当代艺术领域流行的“标签化”趋势相悖，且缺乏针对单一课题的深度系列研究。但“深度”的定义本身需要通过实践加以验证，艺术表达的核心并非形式上的规整，而在于能否触及绘者与观众的心灵。或许，打动观者的无需是系列化的作品，可能仅是某一笔触、某一个点子、某一段故事，便能实现精神层面的契合。
此次联展并非纯粹的中国画展览，还涵盖有油画和插画作品。当下艺术创作中，各画种间的边界逐渐模糊，相互影响、相互融合已成常态，我的作品亦体现了这一特征。曾有段时间，我因创作中 “无固定风格、无统一主题与固定形式” 而困惑，常与好友刘长亮博士探讨。他的回应给予我重要启示：“你现在画的就是你的‘风格’，一直变化着也是你的‘风格’，笔端留在纸面上的痕迹就是你的风格。”我深知，刘博士想传递的核心观点是：绘画风格的本质在于 “独特性” 而非 “统一性”。创作主体的审美偏好、手感习惯与当下状态，会通过笔触力度、速度、留白习惯，甚至犹豫或果断的笔触细节自然流露，形成不可复制的个人标识。主题与形式的流动是创作探索的常态，“不被定义” 恰恰是未被固化的鲜活风格，其个人辨识度远高于刻意模仿的统一。
《小城故事》 何旭星 宣纸 水墨设色
200x240cm 2019年
艺术史中，“变化” 本身便是重要的风格。以毕加索为例，其 “蓝色时期”“粉色时期” 到立体主义的转型，无固定形式却始终保持鲜明的个人表达。我之所以以此为例，源于此前发布微信推文时，有网友评论：“这还能算国画吗，为啥要向毕加索看齐”。
这番有趣的争议，恰好指向风格认知的多元性。由此可见，风格无需刻意追求 “统一”，它会随着创作积累自然沉淀，而当下的每一次变化，都是风格形成过程中的重要组成部分。
《何不留青山》何旭星 宣纸 水墨设色
200x240cm 2019年
三、明天：主题性创作的探索
既然前文提及毕加索，便以其“蓝色时期”与“粉色时期”为例，谈谈我未来的创作方向。毕加索两个时期风格的形成逻辑清晰可见：
蓝色时期（1901-1904）：受挚友离世、巴黎贫困生活及象征主义影响，以蓝色为主调，表现为苦难与犹豫为主题；
粉色时期（1904-1906）：因恋情慰藉、经济改善及非洲艺术启发，转向粉色调，题材多为女性和艺人，画面风格变得柔和轻快。
尽管其风格形成背后可能存在诸多未被言说的隐秘原因，但这种 “外部语境 — 内在情感 — 形式语言” 的关联模式，为主题性创作提供了可借鉴的 “模式”。因此，接下来的一段时间我计划在现有 “全因素” 创作能力的基础上，确立明确主题进行系统性研究，让创作 “风格” 的指向性更为明显。
我初步拟定以 “太阳” 为主题开展山水画创作。创作核心在于，避免将 “太阳” 仅作为画面的构成元素 —— 过于强调会喧宾夺主，尺寸过小则有 “不学术” 变成“行活”之嫌。因此，需从太阳的文化背景切入，梳理人类活动与太阳的关联：太阳作为贯穿人类文明的核心文化符号，承载着神性、生命、权力与真理等多重内涵，以其为主题的艺术创作在古今中外艺术史中形成了丰富谱系。当代时期：创作突破媒介边界，如草间弥生《无限镜屋》以装置艺术重构太阳的无限意象。
总体而言，太阳主题创作的演变始终与文化信仰、社会变迁、科技发展及媒介革新同步，其核心内涵从早期的祭祀崇拜逐步拓展为情感表达、理念传递与形式创新，构成了跨文化、跨时空的艺术叙事脉络。这些梳理虽为随笔式思考，未必具备深厚的学术价值，但为我以太阳为核心的主题性研究提供了多元视角。
《匡庐消夏》何旭星 宣纸 水墨设色
220x175cm 2023年
从时间与地域维度梳理：
史前至古典时期：中国高庙文化白陶、金沙太阳神鸟金箔，古埃及阿顿神浮雕，古希腊阿波罗雕塑等，将太阳与祭祀、王权、神话深度绑定，造型趋于程式化，凸显信仰层面的象征意义；
近现代时期：创作逐渐转向情感表达与形式探索，如印象派对光、色的研究（莫奈《日出・印象》直接描绘太阳，聚焦光的瞬息变化），修拉《大碗岛的星期天下午》对太阳光照的光谱式理性分析，蒙克《太阳》注入的强烈情感，何旭星《向前、向前》赋予的精神象征等；
借鉴毕加索的创作 “程式”，我初步设定此次创作路径：“太阳主题绘画（2025-2028）：关注生命 + 山水画 + 符号学 + 以蓝绿色调为主，以原始艺术为启发表现积极向上，画面风格轻松，色调明快”。这一方案虽需在实践中不断修正，但已具备一定的可操作性。
《寒林夜读》何旭星 宣纸 水墨设色
144x270cm 2015年
此次安徽省美术馆 “青扶计划” 十人联展，是对我过往二十余年艺术学习与创作的一次阶段性总结，更是连接“昨天”积淀与“明天”探索的关键节点。从“昨天”对传统的溯源、多元艺术形式的涉猎，到“今天”对风格本质的认知、无固定标签的自由表达，再到 “明天” 以 “太阳”为主题的主题性创作规划，每一步都离不开实践的积累与思考的深化。
《夜秋白》何旭星 宣纸 水墨设色
180x96cm 2015年
艺术创作本就是一场在“过去之将来间”的持续探索，没有永恒的标准答案，唯有不断校准自我与艺术的关系。此次展览的6件作品，既是过往历程的见证，也是当下思考的表达，更承载着对未来的期许。感谢安徽省美术馆为我提供了如此重要的展示平台，感谢家人、友人的长期支持。
供稿 | 赵宜凡
排版 | 朱小洒
审核 | 崔燕琪
终审 | 王岭