陪孩子逛美术馆，魔都中产妈被问到怀疑人生…
更新时间：2025-09-11 10:06 浏览量：1
上周带12岁的女儿参观美术馆，她站在杜尚的小便池展品前足足十分钟。
“妈妈，这真的算艺术吗？"她困惑地望向我。
类似的场景发生了好几次。比如她指着一幅暴风雨主题的画作问：“为什么房间里会有大海？”
我正犹豫如何解释，她却突然笑了：“妈妈，这好像我们上次在客厅搭的帐篷！”
那一刻我突然意识到，孩子对艺术的感知从不依赖“正确答案”，而是源自本能的好奇与想象。这正是《艺术大爆炸》想告诉每个家庭的秘密。
这是一本北京美术摄影出版社2025年推出的新书。它以颠覆性的视角重构艺术认知，通过20个趣味篇章，带领孩子们穿透传统桎梏。
书中没有生硬的理论，而是用一个个鲜活的故事颠覆认知：17世纪的静物画里，切开的水果悄悄诉说“时间会偷走一切”；86岁的退休铁路工人霍金斯，用胶合板和杂志碎片拼贴出轰动艺术界的《袋狼No.3》；就连巴黎地铁站的铸铁穹顶，都在提醒我们艺术藏在生活的褶皱里。
艺术教育真正的价值，或许不在于培养画家，而是守护那双发现惊喜的眼睛。《艺术大爆炸》用20个趣味章节搭建起亲子对话的桥梁。
限时特惠
静物画其实并不无聊！
提及静物画，不少学画画的孩子或许会觉得它们单调乏味，不过是对静止物品的简单描绘。
《艺术大爆炸》以扬・达维茨・德海姆的《桌上的水果和大餐》为切入点，揭示了这类作品隐藏的深层密码，当我们凝视这幅作品，会被画中丰富的细节所吸引。
扬·达维茨·德海姆（1606—1684）
《桌上的水果和大餐》
旧名《甜点》，1640
布面油画，149厘米×200.3厘米
巴黎，卢浮宫博物馆
德海姆的这幅巨幅油画中有许多器皿和食物，当时几乎无人能绘制出这样一件独特的作品，因为一幅画的价格是根据所画物品的数量和完成时间来确定的。因此，这幅画最终被路易十四收藏也就不足为奇了！
静物画是其所有者的身份证，通过画面就可以显示出人们所属的社会群体。
作品局部
通过画面中切好的食物，我们看到了生命的脆弱和短暂、时间的流逝和死亡。所有这些奢华之物都是为了强调财富不值一提，并告诫我们不要贪图感官感受。
静物画反映了一个时代的探索、愿望和焦虑。尽管这些作品给人留下了深刻的现实主义印象，但它们所描绘的物品，无论是简陋的还是奢华的，其实都是虚构的，与“真实”的生活相去甚远。这是一种经过精心安排的现实，是一种文化符号和代码的组合，不属于某个特定的艺术家，而属于当时特定社会的主流思想。这就是为什么我们很难理解它们并对它们产生兴趣。
当代艺术，离孩子太远？
当代艺术作品总是充满了神秘与奇幻色彩，让人看过后“不知所云”，勒内・马格利特的《暴风雨的装饰》便是其中的典型代表。
在铺着红色地毯的地板上，在灰色墙壁的衬托下，我们面对一片涌起惊涛骇浪的大海。6块米色的类似镂空木板或剪纸状的物体被摆放在地板上，像是哨兵，又像是风景。
勒内·马格利特（1898—1967）
《暴风雨的装饰》，1927
布面油画，81厘米×116厘米
布鲁塞尔，私人收藏
面对勒内・马格利特《暴风雨的装饰》中室内翻涌的海浪与谜样构件，多数观者会陷入“必须理解”的焦虑。《艺术大爆炸》却提出全新视角“放弃解读，感受冲击”。
这幅画把我们带到了别处，我们几乎能感受到大海和迎面吹来的海风，这一切都归功于一个简单的画面，上面用颜料覆盖，只有一米多宽，这就是艺术！真正的艺术！
勒内·马格利特（1898—1967）
《红色模型》，1935
布面油画，56厘米×46厘米
巴黎，乔治·蓬皮杜国家艺术文化中心
也许正是因为我们喜欢马格利特画中神秘莫测的气氛，我们才会被他充满幻象的绘画所迷惑。
我们承认，“物体通常的放置顺序被他有意打乱”。没有门或窗将我们与大海隔开，马格利特试图“打破所有荒谬的心理习惯，这些习惯往往会取代真实的存在感”。
《红色模型》创作素材
就像他的另一件作品《红色模型》，仅仅通过改变材料，我们就会有一种发现新物品的感觉，会产生令人震惊的效果。这就是超现实主义带来的一种拼贴，一种完全不同寻常的邂逅。
自学成才的艺术家，给孩子喂喂鸡汤
“未受专业训练能否成为艺术家？”《艺术大爆炸》用整整一章击碎这一偏见。从税务员卢梭的幻想丛林到威廉・霍金斯在94岁创作的《袋狼No.3》，他们都是自学成才，然而他们的作品却都在最大的博物馆中展出！
威廉·霍金斯（1895—1990）
《袋狼No.3》，1989
胶合板上的各种材料，122厘米×122厘米
哥伦布，哥伦布艺术博物馆
让我们走近一点看看这只摇摇晃晃的动物。它身着条纹服装，仿佛是从儿童画中走出来的。我们马上就会听到一句耳熟能详的话：“4岁小孩也能画出来！”
然而，这位艺术家勇气可嘉，霍金斯剪贴的杂志眼睛与运用的浮雕工艺，实则是原始主义与装置艺术的超前融合；看似稚拙的笔触背后，暗含对学院派规则的刻意反叛。可以说，霍金斯发明了一种新技术：绘画雕塑。
PROFILE
威廉·霍金斯
（1895-1990）美国人
艺术教育经历：未接受过专业培训
艺术活动的开始：1979年，86岁高龄的他开始全身心投入绘画创作。
艺术界的认可：他的作品于1990年在哥伦布艺术博物馆展出，1992年在费城艺术博物馆展出，1997年在纽约美国民间艺术博物馆展出。这些作品还被华盛顿的史密苏尼美国艺术博物馆等著名的现当代艺术收藏机构收藏。
威廉・霍金斯的艺术人生充满了传奇色彩。他从来没有经过专业的艺术训练，凭借着自己对生活的热爱和独特的感知，用画笔描绘出心中的世界。
他直到86岁才全身心投入绘画创作，然而这并不妨碍他在艺术领域绽放光芒。
他的创作证明了年龄与专业背景都不是艺术创作的阻碍，艺术是一种源于内心的表达，无论何时开始，只要心中有热爱，都能在艺术的世界里找到属于自己的一片天地。
临摹与借鉴，从艺术品里总结的学习铁律
一件艺术品一定要是全新的吗？
必须完全是原创的才能有资格成为艺术品吗？难道“抄作业”就意味着欺诈作弊、缺乏灵感或是无法发明新形式、新构图、新题材？
当我们漫步于博物馆和美术馆时，我们会看到许多作品或多或少地与许多著名的绘画作品有一些类似。
爱德华·马奈
《草地上的午餐》，1863
巴黎，奥赛博物馆
马奈的《草地上的午餐》是艺术史上的经典之作，而这幅画在后世引发的一系列变形创作，更是为我们展示了艺术中借鉴与创新的关系。
比阿特丽斯·冈萨雷斯
《流动和变化的自然之幕》，1978
比阿特丽斯·冈萨雷斯在1978年创作的《流动和变化的自然之幕》，便是受到马奈《草地上的午餐》的启发，她直接用丙烯颜料在一块宽12米、高7米的幕布上绘制出自己的版本。
比阿特丽斯·冈萨雷斯
马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆展览现场，2018
她的用色比原作更纯，而且色调十分均匀。相比马奈的《草地上的午餐》，比阿特丽斯·冈萨雷斯只保留了前景中的少女和两名男子，给予了风景更多的广度。
阿兰·雅凯
《草地上的午餐》，1964
塞纳河畔维特里，马恩河谷当代艺术博物馆
除此之外，阿兰・雅凯、毕加索、莫奈等艺术家都以自己的方式重新诠释了《草地上的午餐》。他们保留了原作的部分元素，如人物布局、野餐的场景等，但又融入了各自独特的风格和时代背景。
巴布罗·毕加索
《草地上的午餐》，1960
巴黎，巴黎国立毕加索博物馆
克洛德·莫奈
《草地上的午餐》，1865
巴黎，奥赛博物馆
毕加索用立体主义的手法将画面解构重组，莫奈则以印象派的光影表现赋予作品新的氛围，从而向马奈表达致敬之意。
这些艺术家的创作证明了借鉴并非抄袭，而是在传承经典的基础上，通过创新赋予作品新的生命力，艺术的发展正是在不断的借鉴与创新中得以延续。
重塑艺术观：保持对世界的好奇心
《艺术大爆炸》不仅仅是一本关于艺术知识的书籍，更是一次重塑我们艺术观的奇妙旅程。它让我们明白，每个人都可以成为艺术的欣赏者和参与者，艺术并非只是少数专业人士的专利。
当孩子学会用全新的视角去欣赏艺术时，会发现艺术的世界是如此丰富多彩。他们不再局限于传统的审美标准，而是能够包容和理解各种不同形式的艺术表达。无论是抽象的绘画、前卫的装置艺术，还是充满创意的行为艺术，都有其独特的魅力和价值。
通过阅读这本书，孩子们可以打破对艺术的敬畏之心，勇敢地走进艺术的世界。也可以尝试自己动手创作，用艺术的方式表达自己的情感和想法。
即使没有专业的艺术技能，也不妨碍我们享受艺术创作的过程。因为艺术的本质在于表达，而不在于技巧的高低。
如果孩子对艺术充满好奇，却又被传统的认知所束缚；如果他们渴望突破偏见，感受艺术的无限魅力，那么《艺术大爆炸》绝对是不可错过的一本好书。
翻开书籍，在《艺术大爆炸》的世界里，突破艺术认知边界，探索艺术的无限可能吧！